Visione artistica e intelligenza artificiale
Nei miei cinque anni e mezzo nel settore R&Amp;D del patrimonio culturale e nel mondo della musica elettronica presso Sound and Vision, ho avuto il privilegio di vivere una doppia vita. Con i piedi su entrambi i lati del fiume, lavoro per collegare il patrimonio e i settori accademici attraverso la fiorente comunità europea della musica elettronica.
RE:VIVE è un'iniziativa che facilita il riutilizzo del materiale del patrimonio da parte della comunità della musica elettronica. EuropeanaTech è la comunità R&Amp;D di Europeana, una comunità attiva e di lunga data che alimenta gli esperimenti tecnici, lo sviluppo e l'interoperabilità internazionale di norme e strumenti.
Per alcuni, questi due mondi possono sembrare una strana coppia, ma in realtà, entrambi hanno bisogno l'uno dell'altro se speriamo di spingere davvero i limiti della tecnologia, della creatività, dell'accesso e della narrazione. Ecco perché sono stato ispirato a organizzare il Simposio sui cambiamenti strumentali al Rewire Festival. Essere un matchmaker e aprire le porte a entrambe le parti. È un'opportunità per mostrare la ricerca e gli strumenti relativi all'IA e alla musica giustapposti agli artisti che mettono in pratica alcune di queste ricerche con l'adagio "lavoriamo insieme".
Il valore aggiunto che si vede attraverso la collaborazione accademica e creativa è che gli artisti possono valorizzare, diffondere e umanizzare il lavoro di ricerca e sviluppo computazionalmente intensivo e meticoloso svolto dalle università o da altri istituti di conoscenza. Ciò non significa che gli artisti non possano fare informatica pesante o che le università non possano essere artistiche, ma quando una mano lava l'altra possiamo generare un flusso di trasferimento di conoscenze specialistiche e competenze esperienziali.
Durante la genesi di quella che oggi chiamiamo musica elettronica, quelli che forgiavano nuovi percorsi erano maestri per metà artisti, per metà ingegneri con sede in istituti di tecnologia o di istruzione superiore. Da Radiodiffusion-Télévision Française, dove lavorava Pierre Schaeffer, a Daphne Oram al BBC Radiophonic Workshop, questi reparti R&D erano centri di innovazione musicale e creatività. Ma man mano che l'informatica e gli strumenti diventavano più compatti, accessibili e utilizzabili, la creatività si spostava verso la casa o lo studio personale.
Ma ora, mentre la musica inizia a esplorare nuove frontiere dell'apprendimento automatico, del deep learning, dell'elaborazione del linguaggio naturale e delle tecnologie future, dove abbondanti quantità di dati, potenza di elaborazione e budget sono necessità, le condizioni per un'adeguata sperimentazione stanno cambiando. Ecco perché, spero di incoraggiare un ritorno all'ovile con il Simposio sui cambiamenti strumentali, in cui il mondo accademico della ricerca e dello sviluppo e i musicisti che praticano possano lavorare in modo più collaborativo ed espressivo.
Ispirazione dal Simposio sui Cambiamenti Strumentali
L' Instrumental Shifts Symposium al Rewire Festival è stato un brillante esempio dei crossover che stanno già avvenendo tra questi mondi. La giornata è iniziata con il Dr. Thor Magnusson che ha presentato il suo libro Sonic Writing, che esplora come le tecnologie musicali contemporanee tracciano i loro antenati a forme precedenti di strumenti e media. Mentre il ruolo della musica nella società potrebbe non cambiare mai, il modo in cui la consumiamo e la produciamo lo farà, proprio come ha sempre fatto. Per gli istituti del patrimonio, la musica può insegnarci molto sulla società. L'ascolto automatico può portarci a scoprire di più sulla musica, dandoci una nuova e più profonda comprensione del patrimonio culturale europeo.
La ricerca condotta dal professor Anja Volk dell'Università di Utrecht, dal professor Peter Bloem della VU Amsterdam, da Hibiki Mukai dell'Aia e da Enrique Manjavacas suggerisce anche come i materiali del patrimonio culturale possano portare a progetti che promuovano la nostra comprensione della musica e della società, oltre a creare nuovi modi per gli artisti di generare musica. Gli esempi spaziano dall'identificazione degli accordi in tempo reale, alla musica generativa basata sull'analisi di film d'archivio, alla generazione di testo basata sullo studio di Shakespeare e ai nuovi algoritmi per generare musica tradizionale giapponese.
Per RE:VIVE, il compito essenziale è vedere come il patrimonio culturale e la musica elettronica possono fondersi per offrire nuove percezioni artistiche del passato. Al Instrumental Shifts Symposium, questo si è concretizzato attraverso una collaborazione tra il dottor Bob Sturm e la sassofonista e produttrice con sede a Hague, Laura Agnusdei. Sturm, capo progetto di FolkRNN, una piattaforma nota per il suo enorme corpus di musica popolare generativa svedese e irlandese, ha presentato come continuano a consultarsi con la comunità popolare non solo per testare gli aspetti tecnici delle produzioni, ma anche quelli sociali, ad esempio come viene percepita questa musica, così profondamente amata da molti, quando è prodotta da un algoritmo. Abbiamo invitato Agnusdei a collaborare con FolkRNN e trasformare le composizioni generate in un nuovo pezzo contemporaneo. Ha collaborato con il violista e compositore Lauge Dideriksen e il nuovo pezzo fonde perfettamente i mondi della composizione sperimentale e della musica tradizionale.
Ovunque andiamo, andiamo insieme
Una partnership come quella tra Agnusdei e Sturm è ciò che ho voluto ispirare con lo Instrumental Shifts Symposium. Mentre i dipartimenti di R & Amp; D negli istituti culturali e accademici iniziano a esplorare nuove frontiere dell'informatica creativa e dell'intelligenza artificiale, alla fine sarà l'impressione artistica che consentirà al pubblico di connettersi veramente con esso. Le conoscenze tecniche hanno portato allo spartito e alla costruzione di strumenti, ma sono gli artisti che vi danno vita. E come abbiamo imparato dal professor Mick Grierson e Roisin Loughran, per il momento, quel lavoro rimarrà con gli umani.
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